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時間是人類感知和經(jīng)驗的必然框架，生命中無數(shù)的經(jīng)驗材料，須得納入這個框架中方為我們所感知。藝術(shù)家譚平的創(chuàng)作，正是記錄著那無數(shù)個流逝的瞬間和個體生命體驗的流轉(zhuǎn)。譚平以為，在無意義的時間長河中，正是藝術(shù)賦予生命意義。

無論是經(jīng)過層層“覆蓋”形成的抽象畫面，亦或是不斷跨越藝術(shù)媒介與形態(tài)邊界的實踐，譚平自上世紀(jì)80年代以來的創(chuàng)作，為觀者提供了多維度的生命體驗和視覺感知路徑。

2025年4月12日，譚平個展“藝術(shù)家的7個工作日”于成都K空間開幕，也是譚平在成都的首個實驗性藝術(shù)項目。展覽由俞可擔(dān)任策展人，呈現(xiàn)譚平為期七天的項目“無意義的懸置”和“覆蓋”，同時展出近年來的系列繪畫創(chuàng)作。展覽將社會場域、展示空間、視覺內(nèi)容、感知體驗相串聯(lián)，面對復(fù)雜多變的社會現(xiàn)實，在動態(tài)過程中不斷逼近對生命的終極追問。譚平將這個極具實驗性的藝術(shù)項目稱之為“一座舞臺，兩個角色”。

在這7天，譚平做了什么？

譚平在K空間實驗項目“無意義的懸置”工作現(xiàn)場

一

“無意義的懸置”

實驗性場域作品：一個漂浮不確定的懸停瞬間

人生時刻處于“無意義的懸置”狀態(tài)

藝術(shù)是緩慢消解“懸置狀態(tài)”的過程

是使“無意義”生成“意義”的瞬間

——譚平

譚平在K空間實驗項目“無意義的懸置”工作現(xiàn)場

策展人俞可說：“譚平極端的媒介體驗成為他觀念的理由”。在K空間的“懸置”空間，“一條線”橫貫而過，將墻面一分為二，充滿視覺張力的黑色線條在墻面留下無數(shù)條漏痕，恣意流淌而下，如驚蛇入草，又如壁坼之路。畫框和織物懸浮其上；而同樣以無序狀態(tài)懸置的，還有空間正中心的幾件畫作，它們曾被掛在墻面，還殘留著那條“線”的墨痕，而現(xiàn)在，被極具破壞性的力量“沖擊”于半空，仿佛有瞬間的爆破力讓它們“懸停”而置。在空間的角落，散落著大小不一的鏡面與玻璃瓶，鏡面反射出的心理空間與玻璃瓶帶來的不穩(wěn)定支撐，讓整個空間處于脆弱、敏感而極不穩(wěn)定的狀態(tài)。

譚平7天的現(xiàn)場創(chuàng)作，讓空間本身成為作品——一個承載著藝術(shù)家觀念與行動的空間，更讓游走其中的觀者，在某個瞬間體驗到被按下的“暫停鍵”。

“藝術(shù)家的7個工作日”展覽現(xiàn)場

這次在K空間展示的“無意義的懸置”空間，事先是否有規(guī)劃？還是完全的即興創(chuàng)作？這7天大致的創(chuàng)作流程是怎樣的？

?譚平：“無意義的懸置”這件作品我沒有事先規(guī)劃。每當(dāng)我進(jìn)入一個新的展示空間，通常并沒有一個非常清晰的想法，但我會仔細(xì)觀察和感受這個空間，從中找到一個出發(fā)點，就比如K空間的柱子。從展覽空間來講，這個柱子會影響作品的展示和觀看，是一個很蹩腳的障礙物，但我覺得它們恰恰代表著現(xiàn)今城市的一種狀態(tài)，同時也是K空間最為獨特的地方。所以，我這次的創(chuàng)作靈感源于這個特定空間，就從這個看起來沒有任何意義的70×70厘米的柱子開始。

我將整個空間墻面打上70×70 厘米的網(wǎng)格，畫框和織物材料以一種非常規(guī)的姿態(tài)懸掛在上面，一條離地高105厘米的膠帶貫穿其中。我手持沾滿黑色顏料的巨大畫筆沿著膠帶的邊緣從頭至尾畫過，會被誤認(rèn)為“書法”的一畫。然后將膠帶撕下，書寫呈現(xiàn)的黑色一筆呈現(xiàn)整齊的邊緣，這是對既有經(jīng)驗的涂改，也是無序的隨機(jī)狀態(tài)。系統(tǒng)性的符號是在這次展覽中我所規(guī)避的，現(xiàn)場對我來說最好的狀態(tài)就是“廢墟”。

這種即興而來的創(chuàng)作，與其說是突破，不如說更像是一種“破壞”——破壞了繪畫的傳統(tǒng)呈現(xiàn)方式；破壞了觀眾的心理與視覺體驗；也破壞了畫面本身固有的秩序感。

當(dāng)一切感知被隔絕在外，想象與具體在這個場域呈現(xiàn)出“無意義的懸置”狀態(tài)，所以我在這里是認(rèn)真做一件看起來“沒有意義的事”，也是在做一件去除“意義”的“無意義”行為。

在您之前的場域創(chuàng)作中都會采用“線”這一藝術(shù)語言，那么今天在K空間的這條線，有著怎樣與以往不同的觀念？

?譚平：?今天這條線，是被“解構(gòu)”的一條線，我畫完它之后的解構(gòu)過程尤為重要。今天的社會是極度碎片化的，無論是信息的碎片化，還是撕裂對抗的破碎狀態(tài)。在這樣非常復(fù)雜紛亂的語境中，我們對于某個事物的見解也很難達(dá)到共識。因此今天的這條線不是靜止的，而是處于一種被解構(gòu)的動態(tài)狀態(tài)。

譚平在K空間實驗項目“無意義的懸置”工作現(xiàn)場

當(dāng)我把畫框從墻上取下，這條線已經(jīng)變成了片段，把帶有不同線條片段的畫布懸置于空間當(dāng)中，讓這條線繼續(xù)被碎片化處理。它們以不同角度漂浮懸掛著，有的還置于玻璃瓶和水泥地之間，但凡輕輕一碰，玻璃瓶就會滾落或破碎，就像個體生命生活在當(dāng)下那種無法把握的脆弱感和失控感。

我將這種狀態(tài)形容為一個手雷突然爆炸之后，各種東西“懸停”在空間中的瞬間定格，但其實一切都是不穩(wěn)定的。所以這七天的工作每一天都特別重要，它不是最終的結(jié)果，而是讓這七天濃縮成爆炸的瞬間停留在這里。

譚平在K空間實驗項目“無意義的懸置”工作現(xiàn)場

為什么將這次現(xiàn)場創(chuàng)作限定為7天？

譚平： 7天是有象征性的，但是觀眾會產(chǎn)生疑惑，難道藝術(shù)家要像上帝一樣創(chuàng)造世界嗎？對我來講，闡釋并沒有那么重要，我只是借用了這樣一個象征性的說法。關(guān)于這個項目本身，首先我考慮的是需要幾天完成，盤算了一下，大約需要5天左右，加上前期準(zhǔn)備共7天。我希望有更多不同領(lǐng)域的朋友、學(xué)生來到現(xiàn)場進(jìn)行交流，共同參與，在這個過程中會發(fā)生很多意想不到的事情。

當(dāng)然，這7天還有一個重要意涵，就是時間。我經(jīng)常說時間是我的創(chuàng)作方法，也是我創(chuàng)作所使用的媒介。畫一張素描，用2分鐘；刻一根線，用6個小時；每覆蓋一層畫面，用10分鐘……我在創(chuàng)作中非常注重規(guī)則的限定，希望這個限定能夠產(chǎn)生令我驚喜的偶然性。這次的創(chuàng)作有些不同，時間長了些，有7天。要把7天時間分成無數(shù)個切片，一直在建構(gòu)和摧毀的過程中轉(zhuǎn)換，也將這個過程呈現(xiàn)給觀眾。經(jīng)過7天，我最終展示出來的是一個過程性的廢墟和一堆漂浮不定的碎片。

實驗項目“無意義的懸置”現(xiàn)場

在這7天當(dāng)中，還邀請了聲音藝術(shù)家和現(xiàn)代舞蹈家加入創(chuàng)作？

?譚平：?對。在“手雷”爆炸的過程中，音樂家、舞者、設(shè)計師包括攝影師的加入，相互激發(fā)，讓作品的能量更強(qiáng)。所以這7天是大家共同創(chuàng)造的作品。不同的人進(jìn)來之后，對整個現(xiàn)場的“破壞”比我自己“破壞”的威力要大得多，這恰恰符合了我的理念——他們的到來不是幫我把畫掛正，也不是幫我將展覽呈現(xiàn)得更完美，而是將這個空間，將這根線解構(gòu)得更為徹底。我希望這個展覽是開放的，有不同領(lǐng)域的藝術(shù)家參與其中，他們可以在這個空間里創(chuàng)作、互相激勵，讓過程變得更加不可控。

譚平在K空間實驗項目“無意義的懸置”工作現(xiàn)場

之前您提到了這次場域創(chuàng)作是一個去除“意義”的“無意義”行為，但也有些觀者能從其中似乎看到對于當(dāng)下生存狀態(tài)的隱喻？

?譚平：?在這7天的時間里，我以碎片化的工作路徑，試圖打破意義與目的的預(yù)設(shè)，創(chuàng)造持續(xù)的不確定性，至于最后的結(jié)果或者說有沒有結(jié)果，是觀看者需要思考的問題。當(dāng)所有的觀眾進(jìn)入這個空間，意識便隨著這7天創(chuàng)作的文字和作品彌散，走入了一個在廢墟中重生、充滿想象力的空間。

雖然我個人是想把我對今天這個社會和世界的感受表達(dá)出來，但我更希望給觀者提供一個開放的空間，讓他們有自己的思考和感覺。作品也是具有開放性的，不是封閉的，也不是只有一個結(jié)果的表達(dá)。

當(dāng)然，這個藝術(shù)項目也可以理解成對當(dāng)下生存狀態(tài)的隱喻。無論是個人的生存現(xiàn)實，還是精神內(nèi)心，都處在這種“懸停”而不確定的狀態(tài)——似乎沒有希望、沒有未來，但這實際上也是我們現(xiàn)在能達(dá)成共識的一種狀態(tài)。

實驗項目“無意義的懸置”現(xiàn)場

二 ?

“覆蓋”

現(xiàn)場繪畫創(chuàng)作：一個關(guān)于繪畫與時空、情感與體驗的交織

不斷覆蓋，不斷否定，不斷刷新

一邊被創(chuàng)造，一邊又被毀滅掉

有的只是過程，而不是結(jié)果

——譚平

在K空間另一個展廳，譚平進(jìn)行了為期7天的現(xiàn)場創(chuàng)作。每一天描繪著不同的色彩與線條，當(dāng)然，與其說描繪，倒不如說更像記錄。不同的畫面記錄著藝術(shù)家每天的心情和狀態(tài)，新的畫面不斷疊加著，舊畫面也不斷被覆蓋著……如果我們將每個截面展開，在被擠壓的片段中，都是全然不同的畫面，就像時間長河中的每一天。圖像雖不斷被覆蓋，但它們曾經(jīng)的樣貌永恒地存于層層疊加的顏料之下，正如人類的歷史，也如個體生命的瞬間。無論畫面看起來如何完美，都會被譚平破壞式地“覆蓋”。他說：“永遠(yuǎn)沒有結(jié)果的覆蓋下去才是最有意義的，因為在每一遍的覆蓋中你都能夠最大強(qiáng)度地去體驗、去體會”。

“藝術(shù)家的7個工作日”展覽現(xiàn)場

同時，與現(xiàn)場創(chuàng)作一并展出的，還有近十多年來譚平的繪畫作品。既有因疫情期間的社會現(xiàn)狀而讓畫面演變出的壓抑和扭曲，也有在后疫情時代，變得更為復(fù)雜的結(jié)構(gòu)和色塊。這些同樣因?qū)訉盈B加而形成的抽象圖像，已然不同于他早期有著大面積平涂色域的冷靜。在這個巨變的時代，譚平用繪畫記錄著作為藝術(shù)家個體的細(xì)微感受，是糾結(jié)與迷亂，也是陣痛與荒誕，與時代脈搏產(chǎn)生著共振。

譚平
《突變》
布面丙烯，200 × 200 cm，2020

譚平
《剪不斷》
布面丙烯，200 × 300 cm，2021

“藝術(shù)家的7個工作日”展覽現(xiàn)場

在成都創(chuàng)作的這7天，已經(jīng)被記錄進(jìn)這件現(xiàn)場創(chuàng)作中去了，分享一些不同時間的狀態(tài)？

?譚平：?記得剛到成都的時候，下著雨，空氣都是濕潤的，我覺得挺好，畫面輕松自在。結(jié)果那天晚上又喝多了，特別痛苦，第二天畫面就被我涂成了黑色。每次來現(xiàn)場之后對畫面的判斷基于前一天的狀態(tài)，然后每天不斷地畫下去。其實這個作品最重要的是要與記錄短片一同展示，這樣觀者就能時刻看到變化的過程，以及作品是怎樣一層層被覆蓋后達(dá)到最終的結(jié)果。

現(xiàn)場創(chuàng)作“覆蓋” 在7天的創(chuàng)作過程

您曾提到這次成都的創(chuàng)作是希望將過程呈現(xiàn)給觀者，消解結(jié)果。這兩件作品都是去除意義，去除結(jié)果。聊聊這個“無意義”的意義？

?譚平：?在今天社會中彌漫著一種不確定、無目的的生活狀態(tài)。做什么都覺得沒勁，又得看起來非常認(rèn)真。人人都很茫然，但又都很具體的忙著，有些荒誕。我想能不能通過我這個工作現(xiàn)場，讓人感覺我非常認(rèn)真的忙著，而我所做的又是一件看起來“無意義”的事情。我不想讓創(chuàng)作現(xiàn)場看上去充滿激情，而是看起來特別冷靜。我希望觀眾有個疑問，“這個藝術(shù)家在這兒做什么？”讓大家關(guān)注每天工作的進(jìn)展，這樣一個抽象的無法識別的事，只有結(jié)束的時候才能看到。說實在的，我也不知道會是什么樣。

“藝術(shù)家的7個工作日”展覽現(xiàn)場

從現(xiàn)場展出的繪畫作品中，我們能察覺到同過去的創(chuàng)作有了很大改變，色彩、空間更豐富，但沖突也更強(qiáng)烈？

?譚平：?我們今天的社會實際上比過去更為復(fù)雜。過去我們曾經(jīng)認(rèn)為這個世界是可以通過理性抽離出某種唯一且清晰明確的真理。對于我來講，特別是新冠疫情以后，我認(rèn)為復(fù)雜性是這個世界真正的本質(zhì)。繼而我的畫面中出現(xiàn)糾結(jié)與對抗，并在對抗中又產(chǎn)生著和諧與不和諧，太多說不清楚的——正如同今天世界的狀態(tài)。

譚平
《無題》
布面丙烯，200 × 300 cm，2022

俞可
“藝術(shù)家的7個工作日”策展人

是什么緣由促成了您在成都為譚平策劃這樣一個展覽？

?俞可：?首先，今天我們再去看中國的抽象藝術(shù)，會發(fā)現(xiàn)多數(shù)作品越來越唯美，越來越具有裝飾性，也越來越迎合展示空間，因此我覺得去探究抽象繪畫的存在方式會是很有意思的話題。譚平作為一個創(chuàng)作個體，他藝術(shù)創(chuàng)作中的軌跡是什么？創(chuàng)作與城市之間的關(guān)系是什么？我認(rèn)為這些值得我們?nèi)ド罹俊?/p>

這個項目也是繼譚平去年在SKP的“藝術(shù)大家”項目之后，與成都在藝術(shù)上的再次會面。當(dāng)時在SKP展出時，譚平在永恒更新的消費主義時空中，試圖植入一種持續(xù)生長、未完成的時間敘事。通過這種方式，他讓從事生產(chǎn)的私密“后臺”去解構(gòu)商業(yè)空間的公共“前臺”，讓“過程性”與“未完成”去破除藝術(shù)與商業(yè)兩個場域之間的穩(wěn)固狀態(tài)，促使彼此之間生發(fā)出更多可以“流動”的縫隙，以形成一種新的共生模式，讓自身作品實現(xiàn)了在空間上從私域向公域的轉(zhuǎn)化，以及時間上個體到城市的拓展。

K空間項目“藝術(shù)家的7個工作日”，是譚平以“時間”為軸，編織社會時間，重構(gòu)城市敘事的進(jìn)一步探索。如果說，SKP展出的《彳亍》是藝術(shù)家將內(nèi)部時間進(jìn)行公共化呈現(xiàn)的一次嘗試，那么K空間的《藝術(shù)家的7個工作日》，則會成為他將時間拓展為城市集體經(jīng)驗的載體，并以此形成從微觀到宏觀敘事的擴(kuò)張。將藝術(shù)家的個體創(chuàng)作周期與城市運行節(jié)奏并置，通過視覺邏輯串聯(lián)個體碎片化的城市經(jīng)驗。在此，時間不僅是譚平的私人維度，更成為連接社會場域的媒介——藝術(shù)家的工作日與市民的日常生活形成“共時性共振”，個體創(chuàng)作行為被升華為對城市生命體的隱喻。

“藝術(shù)家的7個工作日”展覽開幕現(xiàn)場

“藝術(shù)家的7個工作日”中的“7”是否有特殊的內(nèi)涵？

?俞可：?盡管我很排斥“7天”背后這種可能帶有宗教遺產(chǎn)的文本，但我將展覽命名為“藝術(shù)家的7個工作日”，也是希望人們通過對“7”這個數(shù)字諸多隱喻的聯(lián)想，能夠認(rèn)知到抽象符號的外溢效應(yīng)。另外，我也打算借用“工作”的概念與流程，指涉藝術(shù)創(chuàng)作最初的本質(zhì)。其實，無論是策展人、畫廊、媒體，還是藝術(shù)家，我們每個人的工作都面臨同樣的問題，那就是如何去接近未知。

展覽以“7”這個充滿文化內(nèi)涵與象征想象的神奇數(shù)字為命題：它既是上帝創(chuàng)世神話的時間結(jié)構(gòu)，也是現(xiàn)代社會生活的基本節(jié)奏，是人類情緒的分類數(shù)值，是純水的PH值，是光譜色彩的基本種類。同時，將“工作日”的概念作為一種創(chuàng)作與展覽的內(nèi)置結(jié)構(gòu)，從藝術(shù)家的個體視角出發(fā)，對“7個工作日”所形成的城市“切片”內(nèi)容進(jìn)行聚焦，以創(chuàng)作去記錄和呈現(xiàn)個體與成都這座城市之間的碰撞，進(jìn)而討論今天的藝術(shù)與日常生活的辯證關(guān)系。

“藝術(shù)家的7個工作日”展覽現(xiàn)場

這次展覽中的實驗空間“無意義的懸置”成為本次展覽中的最大亮點，事先對這一實驗空間是如何構(gòu)想的？

?俞可：?在2024年譚平的作品《彳亍》與國際藝術(shù)家托尼·布朗的《星團(tuán)》在成都SKP“藝術(shù)大家”《方·圓》展出時，譚平的創(chuàng)作與周遭環(huán)境形成的反差帶給我強(qiáng)烈的感受，它為我們今天思考實驗藝術(shù)進(jìn)入公共空間，與消費景觀形成新的關(guān)系提供了不同的角度。我其實比較熟悉SKP的視覺形象宣傳模式，但沒想到譚平并沒有依循商業(yè)櫥窗的功能特性，而是直接將自己的創(chuàng)作邏輯植入其中，他們也以實驗的態(tài)度接受了譚平的觀念。現(xiàn)在看來，SKP的展覽已經(jīng)為譚平在K空間的創(chuàng)作埋下了伏筆，這兩個展覽好似有一種冥冥中的緣分。

雖然譚平來到空間之后，他的體驗和我們對實驗空間的預(yù)想有了一些差異，但藝術(shù)家的靈感恰恰就是在設(shè)想與現(xiàn)實的碰撞過程中產(chǎn)生的，這也是藝術(shù)家和設(shè)計師的區(qū)別，藝術(shù)家是在一個不間斷的創(chuàng)作過程中去完善自己。在思考中去找到新的路徑，這實際上是個很不確定的過程。

并且實驗藝術(shù)與畫廊展覽本身并不沖突。今天的展覽，藝術(shù)家如果把自己的創(chuàng)作觀念和工作努力的狀態(tài)毫無保留地暴露給觀眾，并在這個過程中與大家一起分享、交流和探討，即便充滿了挑戰(zhàn)，但也值得嘗試。因為只有實驗性，才能避免今天展覽越來越同質(zhì)化的傾向。同樣，對藝術(shù)家而言，今后的創(chuàng)作如果還想要追尋社會與生活的內(nèi)在真實，光憑過去的積累、靈敏的視覺或者技巧，來實現(xiàn)文化的裂變是不夠的，需要通過觀念、媒介、方法和技術(shù)的更新轉(zhuǎn)換出新的認(rèn)知。

同時K空間作為當(dāng)代藝術(shù)生產(chǎn)的一個場域，本身也包含了更多實驗的屬性。我也想破壞一下畫廊主楊凱所習(xí)慣的那種處理空間的方式，把它變成一個流動的、帶有實驗性的、帶有不確定的空間，從而形成一個畫廊空間的展覽文本。

“藝術(shù)家的7個工作日”展覽現(xiàn)場

實際上這次展覽也改變了以往對于藝術(shù)家個案進(jìn)行線性梳理的邏輯？這7天過程本身就成為一個作品。

?俞可：?展覽希望更多地強(qiáng)調(diào)出藝術(shù)家譚平在2025年對于自身繪畫方法論的進(jìn)一步思考。長期以來，繪畫中關(guān)于“存在”與“在場”，“主體”與“客體”的討論，究竟能在多大程度上外溢出認(rèn)識與共鳴，一直是藝術(shù)家探求的方向。今天的藝術(shù)作品越來越“不在墻上，而是在每個人不同的感知中”被確認(rèn)，這不僅在重新定義著繪畫的工作方式和存在方法，也使系統(tǒng)化的藝術(shù)的生產(chǎn)從對藝術(shù)家個體表達(dá)的凸顯轉(zhuǎn)向到對觀眾參與的強(qiáng)調(diào)，讓過去一直占有統(tǒng)治地位的繪畫觀看秩序在被質(zhì)疑、被重組、被討論的過程中，找到了另外的歸屬，并慢慢朝著繪畫初始的純粹表達(dá)去還原。

這不平常的“7個工作日”并非線性的時間描述，而是藝術(shù)家通過一種結(jié)構(gòu)性組合，為觀眾提供了一種關(guān)于空間規(guī)劃、光線投射、形式萌動的參與式互動。展覽不僅是藝術(shù)家跌宕的情感表述，更是一種在觀眾參與過程中的內(nèi)容生產(chǎn)方式。